L'espai

Le Théâtre La Biblioteca est situé dans l'une des nefs gothiques de l'ancien hôpital de la Sainte-Croix, un bâtiment civil du XVe siècle qui, sous administration ecclésiastique, réunissait tous les services médicaux hospitaliers de la ville et resta actif jusqu'à la fin du XIXe siècle. Par la suite, le vaisseau fut destiné à l'École des arts et des bâtiments. Actuellement, le bâtiment appartient à la mairie, qui le cède en partie à la Généralité de Catalogne, et ses diverses dépendances accueillent une offre culturelle variée : l'Escola Massana, l'Institut d'Estudis Catalans, La Capella, deux bibliothèques publiques et la Biblioteca de Catalunya.

Le Théâtre La Biblioteca existe depuis 2006, passant d'une vie intermittente à une existence stable et continue. L'année précédente, La Perla avait eu l'occasion de représenter El Misantrop de Molière dans la salle Noble de la Biblioteca de Catalunya, et c'est durant ce processus qu'Oriol Broggi découvrit de façon hasardeuse les voûtes du XVe au rez-de-chaussée du bâtiment. La Biblioteca de Catalunya accepte alors de nous céder l'espace pour y représenter Antigone. Nous avons jeté des vannes à terre, aménagé l'espace et rempli de sable pour améliorer l'acoustique : naissait le Théâtre La Biblioteca.

Depuis lors, avec le soutien de la Generalitat de Catalogne et de la Mairie de Barcelone, nous avons renouvelé cette relation avec la Biblioteca de Catalunya pour chaque montage. Six ans plus tard, une fois que le Théâtre La Biblioteca s'était consolidé comme espace théâtral de référence, nous avons pu stabiliser la cession de l'espace à long terme. Le soutien public, ainsi que la solvabilité économique du projet théâtral de La Perle 29, nous a permis de transformer la nef gothique en un théâtre et un espace de création en plein fonctionnement.

Jean-Guy Lecat se fixa comme le théâtre La Biblioteca ne favorisant qu'une seule esthétique d'espace, où le public et la scène sont intégrés. Lecat le résume dans une formule que nous trouvons très juste : « le public crée l'environnement du théâtre ».

Le public, dès le premier moment qu'il croise la porte du théâtre, doit percevoir les transformations de l'espace. Il doit s'introduire dans un environnement qui va de plus en plus être différent et qui va l'amener à mieux comprendre et vivre l'obrauvre qu'il a vue. C'est pourquoi notre théâtre est un théâtre où l'espace architectural et l'espace fictif ne se trahissent pas l'un l'autre, et vice versa. L'expérience du spectateur commence à traverser les portes de la nef gothique : chaque fois on trouve l'espace complètement transformé et cela le fait reconnaître comme un lieu magique mais habituel, mais quotidien, aimable et incertain à la fois ; en définitive, un espace théâtral vivant.

Suivant Peter Brook, le bâtiment théâtral doit être à mi-chemin entre l'espace sacré et l'espace technique. Le théâtre contient de nombreux lieux à l'intérieur d'un lieu. Un espace qui abrite autant de mondes que ceux qui génèrent notre imagination. Ce rêve indéfini, perdu dans le temps, a été pour La Perle 29, dès le départ, une lutte constante. Nous avons voulu dépasser la disposition du théâtre à l'italienne, qui dispose le public à l'aune d'un scénario élevé. Nous aimons capgir certaines certitudes installées, physiques et mentales, et grâce à l'espace du Théâtre La Bibliothèque nous avons l'occasion de déplacer, de modeler et de jouer avec les frontières entre l'espace réel et les espaces de fiction. Cela active l'imagination du spectateur, qui complète toujours la fiction dans sa tête.

Lorsque ce jeu est stable dans le temps, le public crée également l'environnement du théâtre comme lieu de rencontre dans la ville et le pays. Notre théâtre existe parce que chaque fois nous disons aux spectateurs : « c'est un théâtre », et ils décident de le croire et de le suivre. Il s'agit d'une histoire collective soutenue dans les années, avec la volonté de comprendre le monde à travers le théâtre et l'impulsion de La Perle 29. Le public crée l'environnement de cette vie théâtrale, comme le crée l'environnement de chaque spectacle : c'est un fait social qui se renouvelle dans chaque spectacle.

Les théâtres doivent être comme de petites républiques indépendantes au sein d'une plus grande polyvalence. Il faut considérer ces espaces comme des points spécifiques d'où s'irradient des contenus culturels, et d'où on offre de nouveaux horizons vers où regarder. Le théâtre est « le miroir de la société », comme le dit le prince du Danemark.

La culture doit vivre dans toutes sortes d'espaces, elle doit affleurer la ville, elle doit entrer en dialogue avec des architectures différentes et elle doit représenter un défi constant pour les spectateurs. Le théâtre ne devrait pas être autorisé à habiter uniquement des espaces conventionnels, espaces qui s'expliquent par eux-mêmes. Recettes d'entrée par le grand public. Espaces réglementés. L'espace théâtral est éphémère, il va changer d'usage et peut-être de format. Cela nous oblige à imaginer plus, à trouver des solutions différentes qui motivent les processus de création et incitent au débat pour l'impact qu'il laisse sur les citoyens.

Derrière un espace théâtral, il faut qu'il y ait un groupe de gens qui joignent le maximum de complicités possibles. C'est cette entente qui permet de faire du théâtre un espace vivant. Il vit dans deux sens. D'une part, le bâtiment théâtral doit pouvoir jouer avec les murs, les accès, les salles complémentaires, à la disposition du public. Il faut une communion entre le bâtiment et le contenu, le théâtre doit être la construction qui doit être conforme au contenu. Par ailleurs, un théâtre doit être un moteur social, un lieu où passent des choses. Elle doit être la maison d'un groupe de personnes qui génère des contenus, des sensations, des propositions nouvelles. Il devrait être un conteneur de l'expression poétique et politique du groupe qui travaille dans et pour l'espace. Un recette doté depuis la ville après avoir généré un dialogue entre agents, administrations, collectivités... Et après avoir travaillé en réseau. Tous ces pas avant le drame doivent faire avancer le discours, faire bouger autant de choses que le moment théâtral lui-même.